El sello Jabalina cumple una década de existencia y el conmemorativo “Teoría y Práctica Melódica. Volumen 1. Diez Años de Espíritu Jabalina” es su manera de celebrarlo. Se trata de un recopilatorio doble que, como ellos mismos explican en los propios créditos del disco, sigue fiel a un sentimiento, difícil de explicar, pero no tan complicado de transmitir.

Y es que, la mayor virtud del sello en este tiempo, radica en haber confiado su línea editorial a sus emociones, esas que se disparan incontrolables al escuchar canciones como “Nothing Letf To Say” de Polar o “La Belle Âge” de Dar Ful Ful, ambas contenidas en el recopilatorio que nos ocupa.

Como siempre, Javier Aramburu, habitual en los diseños del sello, se encarga de diseñar un excelente artwork que, ya desde su portada, ahorra mil palabras a la hora de explicar el espíritu de Jabalina.

Así nos encontramos con un álbum estructurado en dos compactos que se presentan bajo los significativos sobrenombres de “Devenir” y “Porvenir”.

En el primero de ellos, el de lo ya vivido, nos encontramos con un resumen de la existencia del sello en casi veinte canciones. Composiciones extraídas de los distintos lanzamientos de Jabalina hasta la fecha, que suponen una mirada a lo construido, como la de un agricultor que, casi sin tiempo para descansar, seca el sudor de su frente al mismo tiempo que observa lo ya arado.

Una mirada fugaz cuya utilidad es la de refrescar la memoria colectiva y “educar” a las nuevas generaciones del pop.

Es en el segundo compacto donde nos encontramos con un anticipo del futuro, que además de demostrar que el sello no ha perdido la ilusión, deja vislumbrar un glorioso porvenir. Desde esperados regresos de grupos ya conocidos (Polar, Humanoid, Souvenir, Ama, Zola) hasta confirmaciones de promesas más que esperanzadoras (Lou Anne, Apenino, Portonovo, Piano).

Curioso cumpleaños en el que el homenajeado se encarga de hacernos un regalo, de cualquier modo, muchas y merecidas felicidades.

Trajedesaliva nos sorprenden con “Mima Blanca”, su segundo y mejor disco hasta la fecha. Digo sorprenden porque se sacan de la manga un disco con un planteamiento conceptual y, al mismo tiempo abierto, en el que se valen de todo tipo de referencias para erigir una obra rocosa, oscura, medieval y completamente adictiva.

Se respira a lo largo del álbum un ambiente rico, influenciado por un amplio abanico de músicas bien digeridas y con un denominador común, la búsqueda de las emociones a través de la exploración de texturas sombrías e inquietantes.

“Mima Blanca” se erige sobre un único texto, el cual, como si de un conjuro se tratara, es escupido por Una Vena en el segundo de los cortes del disco. A partir de su escucha se hace más fácil asimilar los sonidos que pululan por el disco, siempre frescos, en todo momento sugestivos y nunca previsibles. Desde el transilvánico acordeón del primer tema vamos topándonos con tétricos sintetizadores, vientos extraídos de una lúgubre ceremonia religiosa, guitarras que parecen gritos de dolor y unos teclados que se muestran como los principales generadores de la asfixia que una sabia y comedida percusión dirige con mano firme.

Con estas pautas Trajedesaliva han construido un disco difícil de asimilar, fuera de la norma, casi inconcebible en los tiempos predominantemente inmovilistas que corren, con un sonido propio entre gótico e industrial y, pese a lo que pueda parecer si nos paramos a observar la oscura temática en la que se mueve el grupo, fresco y emocionante para el apabullado oyente.

“Mima Blanca” no se situará en ninguna de las manidas listas de lo mejor del año, no por no merecerlo, sino por toparse con un público varios peldaños por debajo. Sea cual sea el funcionamiento del disco sus artífices pueden estar satisfechos, han firmado un disco por encima de la media que les hace merecedores de nuestra atención.

Nacho Vegas despide el año de la mejor manera posible. Un regalo en forma de canciones o una invitación a entrar en su atípico reino de mentiras y drogas, tragedias constantes y palacios de papel que son, en realidad, tremendas fortalezas imposibles de derribar.

El gijonés demuestra una vez más que funciona a la perfección en las duraciones cortas a través de una selección impecable que nos muestra todas las caras de sus nada escasas monedas. Ya desde el primero de los cortes observamos que la inspiración persigue a Nacho Vegas en todas las estaciones. Siete minutos incapaces de aburrir en una “Canción de Palacio #7” que crece sin cesar a través de instrumentos que se añaden, coros que se incorporan, vientos del oeste soplando en su final...

Con ritmo de country, steel y banjo incluidos, “NV Contra La Industria Del Disco”, segundo de los temas, es todo un alegato emocionado y sincero desde quien sufre en sus propias carnes la mentira ajena pero se muestra contrario a ella. Mención a Townes Van Zandt incluida.

Más tarde, Nacho Vegas llora y se lamenta, entre silbidos, en “La Magnitud de la Tragedia”. Por el torero, por la Guardia Civil, por Ernesto y Alejandro e Inés... La más calmada del disco.

Y entonces llega el vendaval que es “Canción de Isabel”. Entre retales de flamenco, se presenta como un dramático cuento sobre una mujer desgraciada en vida y muerte. Aún más maldita de lo que antes fueron Ezequiel o Baby Cat Face, su historia, desproporcionada y absurda, crea verdadera adicción a través de un ritmo fuerte que violenta, que hace sentir piedad por sus protagonistas, que hace lamentar cada suceso. Una tensión digna de ser novelada.

La “bailable” (así lo reza su hoja promocional) “En La Ardiente Oscuridad” tiene uno de los más transparentes estribillos de Nacho Vegas, y una frase (“Hoy he tomado drogas... que me hacen hablar”) que hace alcanzar el cenit a la canción y presagiar el final del EP. Magistral.

Conocimos a Matt Shaw, único sujeto al frente de este proyecto, en España por obra y gracia de Foehn y Moonpalace Records, quienes incluyeron sendas canciones en sus recopilatorios. De la mano el sello francés Talitres, nos llega hoy este “If Just Today Were To Be My Entire Life”, segundo álbum de Tex La Homa.

Matt Shaw, responsable de todas las programaciones e instrumentos (a excepción de la batería de “In The Clouds”, a cargo de Neil D. Baldwin, y la flauta en “Either Way”, por su hermana Natalie), sigue recorriendo con éste, su nuevo disco, el camino labrado por ya veteranos de la escena como Hood o American Analog Set. Su electrónica sentimental es, como la de los anteriores, la banda sonora ideal para el otoño y la caída de las hojas, para el frío del invierno y la lluvia desde la ventana.

Xilófonos y teclados que son como gotas de agua de un grifo que alguien dejó medio abierto (“In The Clouds, “Wrote To Say”), tímidas guitarras rasgadas entre susurros (“Closer To You”, “Make It Worth It”), ritmos que amenazan con ser bailables (“Of Electronic Origin”, “Paper Car”), frases contundentes que apenas rozan la piel (“you’re always in my dreams”, suspira al final de “Paper Car”, su más contundente hit y una de las canciones del año) y una épica de juguete ligeramente edulcorada (“You Can Have It All”, “Either Way”) son algunas de las claves de su fórmula.

La sugerente voz de Matt invita a cerrar los ojos y soñar, tal y como él parece hacer con cada golpe de voz. Divagaciones limpias que él transforma en bonitas melodías y más inspiradas canciones. Canciones que aunque aparentan pasar inadvertidas, te van alcanzando lenta y sigilosamente. Sin que quieras poner remedio.

Desde Luxemburgo el colectivo Paso Doble nos entregó en el año 2002 “Hope Dwells Within Our Hearts”, un debut otoñal y rico en texturas sosegadas impregnadas en melancolía que ahora llegan a nuestro país de mano de Moonpalace Records.

Cyrille y Vale, los dos miembros fundadores de Paso Doble, se vieron rodeados durante la grabación del álbum de un selecto grupo de colaboradores entre los que nos encontramos con miembros de Tiger Fernandez, Sug[r]cane, Cycle Around The Zero, Songs From Safara o Accatone.

Con su participación se fraguaron las ocho composiciones del disco. Temas que condensan emotividad en los que el rock lento y de pulso firme de grupos como Steven R. Smith, Labradford, Migala o Dakota Suite aparecen como principal conexión.

Al igual que en el caso de sus referentes, el principal fin de Paso Doble es la recreación de emociones desde la superposición de texturas. Es así como la música de este colectivo invade al oyente para acabar susurrándole las sensaciones más dispares al oído, desde el calor y optimismo de “Memoria” hasta las penumbras en las que se mueve “Km” pasando por “Azul”, el tema que sirve para abrir el disco y para elaborar una conexión entre este colectivo y los gaditanos Ursula vía acordeón.

Pese a este amplio número de efectos producidos en el oyente, el disco acaba por sonar uniforme, eso sí, “Esteban”, el tema con una personalidad más excéntrica del mismo, acaba por sobresalir del resto, quizá por la angustiosa desazón que es capaz de recrear, aquella que evita que los desgarrados gritos que dan forma a la composición dejen de resonar en nuestros oídos.

Paso Doble se suben al carro de esos grupos empeñados en demostrar que los estilos más inquietantes y abrasivos tienen una importante representación en la Europa Continental. Nosotros solo tenemos que abrir los oídos.